近日，由数字化创意平台INTROXPERT (IX) 主办的全球公共艺术项目“LOOKUPTIMESQUARE”（以下简称“LOOK UP”）于感恩节当天在美国纽约时代广场首度呈现了为期一天的数字展览——通过三块巨型电子屏，轮播来自全球的艺术家、文化领袖与行业先锋的作品，涵盖艺术、音乐、舞蹈、时尚、电影等文化创意领域，传递关于希望、团结与想象力的集体宣言。该项目在广场现场配合QR码实时互动，吸引逾150万游客参与，开创了公共艺术与数字科技融合的新范式。
值得一提的是，熊晏泽是唯一入选“LOOK UP”全球数字公共艺术展的中国籍艺术家。他毕业于伦敦艺术大学传媒学院与英国皇家艺术学院，师从英国平面设计大师内维尔·布罗迪(Neville Brody)，曾荣登《尚流Tatler》行业杰出新秀(Generation T)榜单。在此次“LOOK UP”项目中，艺术家熊晏泽携其移动影像作品《妙華MIAOHUA》在全球极具象征意义的视觉文化场域中代表中国亮相。
《妙華》融合了传统宝相花纹样、曼陀罗结构和数字视觉语法，呈现出一种既古老又未来的能量美学。在纽约时代广场的信息洪流中，它以安静且高度辨识性的图像气质成为视觉中心，像一扇来自东方文化深处的能量入口，引导路人放慢脚步、凝视和觉察。熊晏泽表示：“《妙華》不是为了被观看，而是让人进入。我希望这种来自东方的能量可以跨越语言和文化，在此刻向世界传递安定、希望与连结。”
据悉，该项目从今年征集到的300多件作品中，遴选出了约40位创意人士的影像作品在纽约时代广场展示。其中包括从未公开的影像——传奇时尚摄影师米歇尔哈迪(Michel Haddi)首度在纽约时代广场公开展映其拍摄的已故美国说唱歌手图派克·夏库尔(Tupac Shakur/艺名2Pac)的罕见影像，英国皇室授勋摄影师安迪·格慈(Andy Gotts MBE)首次公开演员约翰·赫特爵士(Sir John Hurt)生前最后录制的动人肖像影片；公益相关内容包括来自瑞典的完美世界基金会(The Perfect World Foundation)展示珍·古道尔博士(Dr. Jane Goodall)等人的环保先驱事迹；艺术家板块包括西班牙雕塑家胡安·加赖萨瓦尔(Juan Garaizabal)、法国艺术家黛安·德塔勒(Diane Detalle)等人带来的作品。
随着《妙華》在时代广场点亮，中国当代视觉艺术不再作为“解读对象”出现，而是以自身完整体系与审美逻辑直接进入世界文化语境。在不确定成为时代底色的今天，这件来自东方的作品，让世界看见：艺术不是叙事，而是能量；文化不是输出，而是共振；视觉不是语言，而是意识。
为此，围绕此次在纽约时代广场举办的全球公共艺术项目“LOOK UP”，一场与艺术家熊晏泽的对话就此展开。
2024“气生華开”展览现场
得知自己是入选“LOOK UP TIMESQUARE”这个项目的唯一中国籍艺术家，作品将会在纽约时代广场展示的时候，请问您做何感想？
熊晏泽：坦白说，那一刻不是兴奋，而是一种沉静。对我来说，这不只是一个展览机会，而像是一条正在形成的时代轨迹被看见了。我们这一代中国创作者正在经历一个重要转折：不再只是回应世界，而是重新定义美、符号、精神性和视觉语言。
当我想到成千上万人路过、抬头、也许只是停留一秒，却被一种来自东方的视觉能量触碰到的那一刻，我觉得，不是我去了纽约，而是中国新时代的视觉语法，以向世界传递祝福的方式进入全球最开放的公共语境。
看到您过去的履历很令人印象深刻，几年前还获得了《尚流》杂志“Tatler Generation T”的称号；您毕业于全球数一数二的艺术院校，从最早给伦敦中国设计中心设计全套视觉形象，到给艺术大师徐冰做官网设计，从在海外给V&A，巴黎银行这样的机构做视觉，到回国之后也参与了一些品牌设计的项目，请问最后你是如何进行一种从被动到主动的转换，直接转向于自己创作，并创造出“妙華”这个系列？
熊晏泽：我本身从事品牌设计工作，它不光要求“好看”，更要承担“以美传递信息”的功能。因此，对于需要传递的信息的理解，整理和提炼尤为重要。当我们看到一个品牌符号，比如耐克那条「✓」，我们不会只看到一条线，而是看到速度、力量、突破可能性。
这让我长期思考一个问题：当意义转化为视觉时，那一瞬间到底发生了什么？在品牌中，这叫识别；但在文化层面，它更像是一种精神密码的显现。而就在某个阶段，我开始问自己：如果有一种视觉符号能够代表中国，不是历史意义上的、不是民族主义式的，而是——属于未来、可被世界共同理解的中国视觉结构，它应该是什么样子？
妙華，就是在这个问题之后出现的。它不是我“设计”出来的，而更像是一种被发现的结构。因为它同时具备一些看似矛盾但又统一的特质：它是包容的，可以进入的。它既古老，又未来。它既盛大，又静默。既简单，又繁盛。它有阴阳的对称和平衡，又有既方又圆的智慧。
所以对很多人来说，妙華可能像宝相花、像曼陀罗、像藻井，甚至像通向另一空间的传送门。
而这正是它的意义所在——它不是图案，而是一种可以被进入的视觉场域。当人们看到妙華，并感到“熟悉但从未见过”，我知道这不是对传统的复刻，而是对文化在未来维度里的推进。
您刚刚提到“妙華”融合了宝相花、曼陀罗等东方传统纹样，您如何解构这些文化符号并赋予其当代数字视觉语法？这种重构过程中遇到的最大挑战是什么？
熊晏泽：在世界文明范围中，对称平衡的图像一直重复出现。它绝非偶然，而是源自人类对秩序的共同追寻。当早期人类开始观察自然，他们意识到：世界不是混乱的，它有规律，有节奏，有结构——季节循环、昼夜交替、潮汐涨落……美与秩序从自然中被发现，也被复制、编码、凝固在纹样之中。
然而，中华文明的特别之处在于：我们不仅发现秩序，我们提出了“秩序的哲学”。
中国“中”字不是地理意义上的中心，而是动态的平衡点。在中国的世界观里，宇宙不是以对立存在，而是以阴阳互补、循环、生成存在。万物在对立中寻求和谐，在变化中寻找永恒。因此，虽然世界上许多文明都拥有对称或循环图案，但只有中華文明将这种图像系统提升为一个完整的宇宙理论体系：
• 阴阳 → 图像中的对称与留白
• 太极 → 动态平衡的视觉表达
• 方圆 → 天人关系与宇宙结构
• 重复 → 生命连续性的宇宙观
• 生生不息 → 纹样永无终点，只转化，不停止
换言之，中国的纹样不是装饰，而是世界观的载体。因此我没有把这些符号当作图案，而是当作文明的能量结构。我仅仅是借用了这一套底层的“秩序”来表达我感知到的不同能量。如果一定要说“最大的挑战”，那并不是技法、形式语言或跨文化表达，而是——让观者真正感受到它的“能量”，而不是把它当成一个对称图案。
传统纹样更多承载的是象征意义：它讲述历史、象征吉祥、代表文化记忆。而妙華所追求的不是象征，而是激活——它是一种视觉频率，是一种能被体验的秩序，是一种能够作用于意识与身体的场。
所以，区别很简单一句话就能理解：传统纹样是文明的记忆，而妙華是文明的能量。
纹样的逻辑是：记录 → 复现 → 传承。
妙華的逻辑是：秩序 → 生成 → 作用。
也就是说，纹样停留在视觉，而妙華进入体验。
妙華之“五星出东方”系列之金木
作品在时代广场的电子洪流中呈现出独特的“能量场”质感，您如何通过数字媒介技术（如算法生成/动态渲染）实现传统美学与赛博空间的对话？
熊晏泽：“在最喧嚣的地方创造静默，用最鲜艳的视觉创造留白——这就是妙華。”
在时代广场这样的环境中，视觉几乎已经进入竞争状态——所有图像都在争夺注意力、争夺时间、争夺情绪。而妙華之所以能在这种“电子洪流”中呈现出一种独特的能量场，不是因为它更吵，而是因为它更静、更稳、更有秩序。
妙華的视觉语言建立在一个非常古老的中国逻辑之上：在动态之中寻找平衡，在繁盛之中保留秩序。作品中的色彩确实非常鲜艳，结构高度对称，这使它在第一眼就能抓住视线，但真正让人停下来的不是“视觉刺激”，而是那种来自秩序的吸引力——一种来自宇宙结构、生命节律、阴阳循环的视觉重心。这种稳定、统一、向内集中的能量感，与时代广场外放、跳跃、碎片化的广告语法形成鲜明反差。
动态版本的创作更像是一种数字冥想技术：画面不是在“播放”，而是在生成、扩展、呼吸。
妙華不断地向外扩展，又在扩展中回到中心，像宇宙，也像呼吸，像生命系统的内部秩序。这种呈现方式与传统中国宇宙观中的“生生不息”高度一致，又与赛博空间的数据循环和生成逻辑产生共振。
所以，传统美学与赛博空间的对话，不是我把古代图案放进当代媒介，而是我让古代的宇宙观进入当代技术体系。我一直认为，如今的人们需要的也许不是另一个响亮的声音，而是一个间隙——一个能让意识暂停的空间。而妙華试图做到的，是通过最强烈的视觉形式，创造心灵的留白。
这种“留白”很中国，也很未来。
作为唯一入选的中国艺术家，是什么契机促使您将“妙華”这一传统概念转化为视觉作品？纽约观众对作品中“禅意像素化”的反馈是否符合您的预期？
熊晏泽：其实“妙華”这个名字出现得晚于作品本身。我长期创作这些正方形、对称式的绘画，将它们作为一种冥想方式，也是一种捕捉能量的实践。在积累了一批作品之后，身边的人不断问我：“这是什么？”我才开始思考应该给它们起个名字。很多人说它们像宝相花、曼陀罗、传送门，甚至像爆炸的平行宇宙，但如果我用其中一个名字，它就无法同时是其他的。正是在这种苦恼中，“妙華”这两个字突然浮现。
“妙”，是道家哲学对中国美学的贡献，兼具青春活力与深奥智慧，每个维度都恰到好处——刚好、精妙、奥妙……它是中国式的无限之美。“華”，通“花”，意味着每个维度中的精华、光华、才华，是最好的、最完整的存在。它可以指华丽、华章、华服，也暗合“华人”“华夏”“中华”的文化底色。
这两个字恰好只有中国文化能够提供，它们既能包容作品的所有可能性，又不必局限于任何单一的形态。可以说，并不是我将“妙華”转换为视觉作品，而是这些作品本身“想要”用这个名字来呈现它的存在。
至于纽约观众的反应，我并不在现场，但从过往的反馈来看，无论国籍或文化背景，人们在观看“妙華”时都会有一种熟悉却又陌生的感受，并能直觉感受到画面中传递的能量。这种体验，与我最初创作它们时希望捕捉的冥想与能量感是一致的。
所以当作品出现在全球流量最大的公共空间时，您最希望观众从中获取的核心体验是什么？这种超大规模曝光对独立艺术家的创作生态有何影响？
熊晏泽：在这样一个全球最大规模的公共媒介环境中，我最希望观众获得的不是理解，而是一瞬的停顿。如果有人在喧嚣的信息洪流中因为妙華而静下来，哪怕只有一秒，那一秒就是意义。像刚刚提道的“在最喧嚣的地方创造静默，用最鲜艳的视觉创造留白——这就是妙華”。大型曝光对独立艺术家来说当然会带来资源、机会与商业合作，但对我来说，它同样是一种提醒：当世界在看，我是否仍然忠于自己的语言与方向？
妙華之“五星出东方”系列之水火土
“妙華”系列是否会发展为持续性的艺术项目？下一步计划探索敦煌藻井、道教云纹等其它传统元素吗？
熊晏泽：“妙華”系列会继续以长期项目的方式发展，它不是一次性的作品，而是一套不断演化的视觉语言与能量表达系统。我非常期待用这套视觉系统重新诠释更多传统文化的主题，但我的关注点不是复刻，而是如何让传统元素在当代语境中重新生长。
不同主题也会根据它们适合的呈现方式，延伸到不同媒介、空间、材质与品牌合作，包括影像、建筑、织物、家居、体验场景等。
简单来说，“妙華”不是一个完成品，而是一种正在持续展开的文化能量框架。
该作品目前已衍生移动影像和实体装置，您如何看待数字艺术在版权与商业化之间的张力？未来会与奢侈品/建筑领域展开跨界合作吗？
熊晏泽：数字艺术的版权问题，本质上是“可无限复制”与“需要被界定”之间的矛盾。对我来说，未来的版权不只是防止复制，而是定义体验的入口与权限。谁可以展示、如何展示、以何种形式被进入？这些都会成为新的版权结构。
商业化也不是降低艺术的门槛，而是让作品从“观看的对象”变成可以被体验、被使用、被进入的系统。移动影像、实体装置和未来的空间合作，都是同一件事的延展。
关于跨界合作——会，但不是简单联名。无论是奢侈品还是建筑，我更关注的是共同构建新的文化体验和空间语言，而不是把艺术变成装饰。
你是定位自己是视觉艺术家？数字艺术家？未来有没有想过运用AIGC的创作工具来创作？
熊晏泽：我更倾向定义自己为视觉艺术家，而不是被工具或媒介分类。数字艺术、手绘、AI，它们只是不同的语言，而我关注的是：作品能否建立情感、意义与感知层面的连接。因为很快我们所有的创作手法都会被AI颠覆。而唯一不变的是我们作为人类，要如何定义自身存在的价值。
AIGC未来一定会进入我的创作体系，但它不是替代，而是延伸。
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